《第四交响诗“奥菲欧”》Symphonic Poem No.4 "Orpheus" S.98 ，作于1853-1854年，题献给卡罗琳•维根斯坦公主(Princess Carolyne zu Sayn-Wittgenstein)，于1856年出版。在这首交响诗里李斯特采用了家喻户晓的古希腊神话作为题材。奥菲欧是古希腊神话中的音乐家和诗人，他的爱妻尤丽狄茜被毒蛇咬死后，他万分悲痛，整日在坟前哭泣哀歌。爱神被他的歌声感动，把通往冥府的道路指点给了他。于是奥菲欧怀抱着他心爱的里拉琴，唱着歌走向死亡之国。冥王被奥菲欧动人的音乐所感动，他允许奥菲欧将尤丽狄茜带回人间，但前提条件是，无论发生什么事，奥菲欧都不能在地狱里看他的爱妻一眼，否则他的爱妻将永远不会再有复活的机会。不知情的尤丽狄茜见到了奥菲欧万分高兴，可他的冷淡又使她大失所望。她倾诉着，哀伤地哭泣着，只求奥菲欧能够看她一眼。奥菲欧终于忍不住回头向爱妻张开了双臂，就在此刻，尤丽狄斯倒了下去。
在李斯特之前，曾有不少作曲家为此题材谱过曲，其中有培里的歌剧《尤丽狄茜》(1600年) 、蒙特威尔第的歌剧《奥菲欧》(1607年) 、格鲁克的歌剧《奥菲欧与尤丽狄茜》(1774年) 等。李斯特对这个神话故事的兴趣，正是由格鲁克的杰作所引起的。他在自己的交响诗总谱上写有一篇很长的序文，从序文中我们得知，李斯特并没有打算去讲述奥菲欧的故事，而仅仅是想表现音乐艺术纯洁的美，它的柔和而又坚定的力量。这与培里、蒙特威尔第和格鲁克的想法是不同的。李斯特要表达的是他对艺术的崇敬之情，他认为艺术具有无上的、足以净化生活中一切丑恶的力量。他把奥菲欧当作了理想和光明的代表，这就是艺术的最崇高的特点。
交响诗开始于圆号的轻声呼唤，两架竖琴奏出清澈的琶音，这就是怀抱里拉琴的高贵的奥菲欧形象。他出现在山林间、溪水旁，是那么的超凡脱俗。接着，一条深厚优美的旋律在乐队中低音区出现，从容不迫，宛如一首抒情诗。这是乐章的第一主题，毫无疑问，它也是对奥菲欧形象的刻画：在高贵优雅之中，透出一丝淡淡的忧愁。第二主题由双簧管吹出，竖琴如潺潺流水般衬托着双簧管的旋律，就仿佛是奥菲欧在弹着怀里的里拉琴在柔声歌唱，这歌声使万物凝神倾听，它美得使人不禁要落下泪来。第三旋律转为独奏小提琴的柔和音色，接着，大提琴深情地接过这旋律，叹息般的短句使人联想到奥菲欧失去爱人后的孤独和忧伤。
中间部分有一段色彩暗淡甚至是恐怖的音响，一听就知，这是对地狱和死亡的描绘。低音弦乐奏出一个固定音型，它听上去粗糙而冷酷，可实际上它是从第一主题那高贵而优雅的旋律中派生出来的。这里又不得不提到李斯特惊人的“主题变形”手法。从阴森恐怖的音响中升起奥菲欧抒情但坚定的歌声，它越来越响亮，犹如一道阳光驱散了一切阴霾，赶走了鬼魂们，使天地重新又变得明朗纯净起来。尾声中，几个连续的和弦为画面涂上美丽的色彩，在一片祥云之上，是奥菲欧崇高而俊逸的形象。
在李斯特的十三首交响诗中，这是最短的一首，只有十分钟左右。而且它也没有很多的戏剧性，没有强烈的冲突。实际上，它是一首赞美音乐艺术、赞美必将战胜死亡和黑暗世界的光明的抒情诗。这是在李斯特心中占主导地位的思想，贯穿了他的一生。从配器角度来观察，这部作品比较细腻，乐器常以独奏方式出现，因此带有室内乐风格。在十九世纪末的印象主义大师德彪西笔下，这是常见的手法，可以说，李斯特在《奥菲欧》的创作中是有着某种属于印象主义的音乐思维的，与他的其他交响诗作品相比，它更贴近大自然，更追求纯粹的美感。
李斯特于1854-1856年间将这首交响诗改编成双钢琴演奏形式，编号为S.638 ，于1859年改编成四手联弹形式，编号为S.592 。另有编号为S.511b 的钢琴独奏版，实际上是由弗雷德里克•斯皮罗(Friedrich Spiro)改编。
